一、引言

传统的色彩教学方法过于理性，可能会使初学者形成较为刻板的色彩意识以及绘画观念，事实上，正确认识绘画色彩的本质，需要摒弃理性的分析或者减弱理性的分析，带着充沛的情感去体验色彩的美妙。[1]色彩教学是长久以来教师认为难度较大的科目之一，传统的色彩教学往往是让学生从轮廓、明暗以及色调进行完整的刻画，此种教学过程会给学生带来固化的色彩感觉和刻板的印象。并且学生分不清色彩的联系和区别，也缺乏真实的光色体验，学生对于颜色的运用也偏向于习惯性选择，其画作也单调空洞，没有整体的色彩关系。为了改变这种情况，学生开始学习相关的技巧，去死记硬背相关的色彩变化关系，或者模仿教师的色彩处理方法以及参照相关书籍上的色彩处理方式，但这并不能解决问题。这种模仿的方式过于僵化，也没有较强的目的性，过于侧重理性的分析，而忽略了自身对于色彩的真实感受，给初学者带来了一定的困惑。另外，由于传统思想中素描基础地位的局限，许多色彩写生仍以素描作为主调，而色彩课程反而成为其“配角”，没有达到真实的色彩教学。这种惯性的教法阻碍了绘画课程教学的发展，让色彩教学处于一种长期脱离艺术本质的状态，学生也很难主观地去发现色彩变化规律，限制了学生色彩发现以及表现力的提升。

二、基础美术教学中绘画色彩的本质认知

（一）视觉形象是对现实的创造性感受

艺术具有不可复制性，是由于人们心灵远比自然丰富得多，人本身的感知潜力也非常强烈，普通的色彩感知再加上一定的创造力，会自然而然地形成色彩的独特魅力和味道。色彩的独特魅力也是由于其身上具有的抽象的味道，能够感受到“味道”需要具有一定的审美能力，而审美能力是超越现实的一种主观体验。在对物体进行描绘时，依据物体的色彩，人们在对其进行相关的艺术创作时，也不是要机械地模仿，而是要摸清色彩本质，再对其进行创作，让色彩的表现更有张力，更有感染力，让意境更加纯粹空灵。如果仅依靠对物体表面色彩以及对其他画作颜色进行模仿，就不会形成较好的色彩感觉，对于色彩始终不能有较好的理解，画作也将平平无奇，没有生命力，不能引起人们的共情，色彩运用能力也会止步不前。

如果在绘画过程中，绘画者只依照自然界中的颜色进行创作，反而会产生诸多负面影响，画作的写实性和色彩表现力具有相关性，画作写实性更强，其色彩表现力会相对减弱，因此，两者要合理取舍。可以相对地减弱写实性，借助色彩来进行物像的表达，让画面富有更强的生命力以及表现力。[2]色彩是视觉的根本，是一种较为活跃的视觉力量，而视觉的基础是明度和色彩。其实人能够较好地感知到物体的存在，很大一部分取决于人能够对色彩进行分辨，明度和色彩都能对物体进行形象的塑造，人的视觉感官本身就有重色轻型的本能。因此，人类的视觉感官对于色彩的感知更加深刻，其表达出情感的可能性也更高，张力以及感染力也更强。总的来说，绘画色彩就是人整体视觉机能的综合性反应，其基点是人的视觉感受，这就需要绘画者能够通过主观的感受来发现色彩，对色彩进行感知，感知光影和明暗关系以及情绪等。优秀的色彩表现实际上是情感的共鸣，是抽象的表现，由色彩而触发的表现力比形象的物体强烈得多，这也是进行色彩感知的价值所在。[3]

（二）固化研究会导致色彩发展畸形

色彩从不是单一的存在，其包括了多个元素，具体的表达形式也非常丰富，在视觉效果之上，“形”和“色”是相辅相成的，色彩绘画的精神实质是色调和对物体形象的塑造，因此，色彩绘画能够完美地利用色彩对物体的形象进行表达。在传统的绘画中，色彩和素描联系紧密，较为纯粹的色彩观在传统的绘画中没有体现，而古典绘画通常是以“形”为主导，色彩只是辅助“形”的一种外在手段，往往绘画者也会注重“形”的描绘而忽略“色”的表达，不能产生良好的情感共鸣，绘画作品本身应该具有的张力以及感染力等不能完美呈现。没有正视色彩的主导地位，会导致画作没有生命力，缺乏色彩带来的情感共鸣，没有张力和感染力。但在逐渐发展的过程中，色彩的地位逐渐被正视，色和形的关系有了新的调整，色彩的巧妙灵活运用也给绘画作品带来了新的生机。另外，部分教师只进行固化的教学研究，会给学生带来一定的思维定式，使学生先入为主，尤其是初学者，会受到较大的影响。初学者受到不正确的引导，可能会导致未来的色彩发展畸形。

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